Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009. It's entirely done with palette knife.
Acrílico sobre papel Ilustración. 31.5 x 23.5 cm. 2009. | Acrylic on Illustration board. 12.4 x 9.3 in. 2009.
- Anne Chays
- Irazú Contreras
- Carlos Trejo
- Paloma Cardenas
- Raúl Monroy
- Daniela Sosa
- Fernanda Ramírez
- Pepe
- Nelly Rodriguez
- Patricia Gutierrez
- Frida Sánchez Ríos
- Verónica Valdivia
- Elisa Rodríguez
- Desiree Rousseau
- Enrique Granados
- Javier Legorreta
- Valentina Legorreta
- Sandra
- Graciela Ibarra
- Fabiola López
- Ramón Arauz
- Joan Jiménez
- Valeria Jiménez
- Mafer Cervera
- Alejandro Chanes
- Mauricio Pérez
- Roi
- Bibi
- Gloria Yáñez
- Ernesto Cervera
- Rodrigo Trejo
- Roberto García
- Abraham Balcazar
- Martha Lechuga
- Gilberto Jiménez
- Rocío Koloffon
- Amira Beas
- Memo
- Sahid Jiménez
- Claudia Catalán
- Sol Zamora
y a todos los demás que de momento se me escapan sus nombres, pero que asistieron gustosos a la gala.
¡Nos vemos cuando falten [39] Inviernos para acabar con todo!
Gala 2008 - 2009. Alianza Francesa Centro del Valle. 24 de noviembre, 20:30 hrs.
Photo and digital edition. 2009.
No voy a decir que no pensé cancelar. Al parecer, Carmen Cebreros canceló su presentación de última hora. Admito que es agotador jugar al juego de los sordomudos y al dígalo con mímica. Sin embargo, algo muy dentro de mí me dijo que era necesario confirmar mi asistencia, alejarme del caballete un rato y restablecer mis viejos lazos sociales.
Fui el primero en llegar. De hecho, a decir del recepcionista, más bien fui el primero de todos en llegar temprano. El desgano de los conferencistas, me señalaban, era compartido y ponía en riesgo una eventual Jornada 2010.
Me trataron de maravilla. El alegre recepcionista se enteró que no había desayunado y me dio una manzana. Pregunté por Dafne, quien de inmediato levantó la mano y me extendió una taza de café Blasón, el patrocinador del evento.
Me sorprendió mucho conocerla en persona luego de intercambiar parcos electro-mensajes desde hace un par de meses. La imaginaba más fea. Luego me presentaron a Laura, la otra anfitriona y finalmente a Viridiana, nuestro enlace.
Sentí que algunas de mis malas palabras les pusieron incómodos así que comencé a moderar mi lenguaje. Una joven guapísima, muy elegante, pasó detrás de mí. Era la edecán de Blasón. Les pedí que me dieran su número de teléfono o que la invitaran a mi conferencia pero eso tampoco les hizo gracia a los desdichados universitarios.
“¿Y cuántos asistentes hay confirmados para hoy? ¿20? ¿30?”
“En promedio vienen 100 por presentación”, me dijo el que me dio la manzana.
Admito que tuve miedo. ¡No llevaba nada preparado! La suma de mis prejuicios me llevo a pensar que estaríamos tres tristes y arrogantes profesionales frente a 20 o 30 estudiantes incompetentes, charlando acerca de un tema que a nadie, ni a mí, nos interesa tanto.
Pero no. Íbamos a ser cien incompetentes, el (ex) director del Museo Arte Alameda y mi padre enfermo en una sala con mala acústica y mucha expectativa.
Me invitaron a sentarme y a preparar el video que iba a proyectarles. Yo hablaría primero, luego Carlos Prieto, hombre de radio y profesor del Claustro de Sor Juana (nuestra sede), después Arturo Rodríguez Döring (amigo de Gabriel Orozco y estelar de la tarde, entre otras cosas) y, finalmente, la escultora polaca Jolanta Klyszcz.
Le rogué con vergüenza a Dafne que no leyera mi currículo aunque me explicó que era inevitable y así me presentó para dar inicio al encuentro. No habían cargado mi video aún, así que aproveché esos valiosos minutos para aclarar mi posición estética.
“Para mí, el arte contemporáneo es, en esencia, un oxímoron. Un oxímoron es un enunciado de dos palabras donde una se opone a la otra. Por ejemplo, ‘inteligencia militar’. Ese es un oxímoron porque si se es inteligente, no se es militar y viceversa.”
Risas. Comenzó a correr el video no sin que antes hiciera otra aclaración.
“No van a entender mucho de esto. Qué bueno. Lo hablamos más tarde. Ustedes no me conocen y yo no conozco a nadie aquí más que a mis propios invitados”.
Pasaron los cinco minutos de la película y, con sus ojos, el público y mi anfitriona me pedían más información, así que agregué:
“Lo que acaban de ver es una producción casera: la entrevista me la hizo mi hermano Sahid, psicoanalista, lo editó Gabriela, aquí presente –a pesar de que hoy es su cumpleaños- y el resto de los aspectos técnicos corrieron por parte de la esposa de Sahid y de mi sobrina Valeria, de cinco años. Tuvimos más de 600 visitas en Youtube luego de que lo subimos a la red, todas imprevistas puesto que el tema no es popular y los participantes somos desconocidos. Pienso que lo atractivo del video está, básicamente, en la primera frase que ahí se dice: que no hay nadie atrás del ojo.
Y, para lanzar otro buscapiés antes de seguir adelante, les comento lo siguiente:
Hace mucho, operaron a mi gato. Cuando los efectos de la anestesia comenzaron a desaparecer, el minino, todavía adormecido, abrió sus ojos. Me estremeció mucho ver que sus pupilas se movían sin dirección fija. Pregunté a mi padre, médico, aquí presente también, a qué se debía ese extraño fenómeno. Él me respondió que al nistagmo.”
Una vez que aclaramos el término mencioné que, para mí, esa es la nueva forma de ver el arte.
Recibí un aplauso mediocre y cálido a la vez. Le fue mucho mejor a Carlos Prieto. Él habló cosas interesantísimas acerca del blues, de la voz de los cantantes negros y del valor del silencio en la comunicación.
Brillante. Se llevó muchas más palmas que yo. A él le siguió Arturo Döring, quien leyó unas diez cuartillas acerca de pintura hiperrealista.
Fue bueno, pero nada sorprendente. La audiencia lo respetó con un aplauso a su nivel.
Una silla estaba vacía en nuestra mesa. Jolanta no pudo asistir por causas de fuerza mayor, pero envió su ponencia para que Carlos la leyera en público.
Eran unas 20 cuartillas escritas en pésimo español. Luego de fumarnos una, tomé el micrófono y comenté que, a mi juicio, lo interesante de una conferencia no es la lectura, sino la presencia del invitado. No terminé de decir la o de “invitado” cuando entró Jolanta por la puerta lateral, se sentó en su silla, tomó su micrófono y procedió a leer, lenta, ininteligible y dolorosamente, sus 20 cuartillas.
Quince minutos más tarde, Dafne, nuestra moderadora, le envió un mensaje advirtiéndole que debía finalizar su lectura. La muy grosera dijo que no y siguió leyendo, sin importarle lo aburridos que estábamos todos.
Media hora después le llegó la segunda advertencia. Tomó la nota, la tiró por un costado, dijo “no” y continuó su tortura.
No sé cuánto tiempo pasó para que terminara de leer sus estupideces. Tuvo que venir una autoridad mayor a callarla. Se llevó un minúsculo aplauso de cortesía.
Dimos inicio a la sesión de preguntas y respuestas.
“Yo tengo una pregunta para Carlos y un comentario para Jacob”, dijo un muchacho en primera fila.
Satisfecha su duda, el preguntón me pidió un par de palabras a su comentario. Advertí que todas mis respuestas serían rápidas porque debía orinar con urgencia, lo que provocó una carcajada unánime. En cuanto terminé de decir lo que me solicitaban, se levantaron dos manos más.
“¿Qué quieres decir con que no hay nadie atrás del ojo y por qué el crítico de arte es un francotirador?”
Pulí las aristas de esas dos frases tremendas para notar, con asombro, que a cada respuesta que daba, las manos se multiplicaban según la tabla de dos: primero fueron dos, luego cuatro, después ocho... Y las preguntas siempre eran las mismas: por qué no hay nadie atrás del ojo y por qué los francotiradores.
“Miren, no voy a mentir: los críticos de arte me caen muy mal. Hacen y deshacen artistas a su antojo y eso me molesta mucho. ¿Con qué autoridad? Tampoco voy a defender a los artistas. Hace poco vi de nuevo la película de The breakfast club. En la versión que vi, la palabra que utilizaban en español para describir a la princesita del grupo era “engreída”. Eso son los artistas de hoy. Son todos unos engreídos…”
Escuché a todos los asistentes inhalar, pero no los oí exhalar. Las manos levantadas ya se contaban por decenas.
Insistían en el asunto de la crítica de arte. Una señora también de la primera fila se robó la palabra y me exigió un comentario acerca de los curadores.
“¡Ah, de esos ni me hable! Recién leí en ArtReview que ahora pretenden utilizar la palabra “curar” para designar cualquier actividad que eso implique. No entiendo bien cómo es eso, pero ahora se pueden “curar” fiestas, “curar” exhibiciones, “curar” zapatos… Yo estoy de acuerdo con eso. La palabra “curar” no me representa nada.”
La concurrencia cuchicheaba sin cesar. Dafne, a mi lado, se me acercó al oído y me dijo en voz muy baja que la mayoría de los asistentes eran estudiantes de curaduría y críticos de arte.
¡Me puse pálido! No sabía dónde meterme. Las manos se levantaban aprisa, nadie cuestionaba a los demás panelistas y yo debía disculparme por mis groserías inmediatamente, a como diera lugar.
Se me ocurrió una salida fácil.
“Me disculpo. Soy un ignorante. En verdad, confieso que no domino el asunto y no quiero hablar mucho de eso otra vez porque no es el tema que nos corresponde abordar. Agradezco mucho el que me invitasen a estas jornadas. Me voy satisfecho porque, además de estimulantes, las chicas del Claustro me parecen todas muy guapas”.
El barullo de hacía un minuto antes se convirtió en franco escándalo. Me volví un poco loco. Luego de un par de preguntas dirigidas a Carlos, que sirvieron para apaciguar las ansias carnívoras, un provocador me pidió algo así como una opinión acerca del texto del mismo Carlos. Yo le aclaré que me identificaba mucho con su tema, pero que solamente no estaba de acuerdo en dos cosas porque para mí a diferencia suyo, la escritura tiene privilegios sobre la palabra hablada y que, a diferencia de todos mis colegas en la mesa, la postmoderinidad me parecía una payasada.
Me pareció percibir que una parte de la muchedumbre me abucheo y otra me felicitó, pero no me di cuenta bien de ello. Sentí que había sido muy malcriado y quise remediar mi situación pero todo me salió al revés:
“Les repito que no conocía la clase de público que iba a tener hoy. De haberlo sabido, me hubiera preparado mejor. Creí que iba a estar en presencia de chefs”.
Esto, y cuando dije que uno es muy burro cuando está en la universidad, les ofendió muchísimo.
Arturo Döring, visiblemente enojado, me arrebató el micrófono y sólo acertó a decir una sola oración, buscando, me supongo, robarme algo de protagonismo. Después de todo, la tarde supuestamente iba a ser suya.
Dijo:
“Yo no usé la palabra ‘postmoderno’, sí hay alguien atrás del ojo y la crítica de arte es importante”.
No volvimos a saber más de Arturo Döring. Ni de Jolanta.
Carlos trató de conciliar los ánimos de la mesa, que para ese momento ya eran irreconciliables. Eran ellos y yo. Una chica se levantó sin pedir permiso y me pidió que estudiara mejor el caso de los críticos de arte porque evidentemente no sabía nada de ellos.
Le prometí que me documentaría mejor al respecto… No sin antes comentar que, para Austin, el lingüista, una promesa es un performativo que no tiene valor de verdad ni de mentira.
Dafne miró su reloj y me dijo que había llegado la hora de cerrar el incidente. Se dirigió a la masa y nos agradeció nuestra participación. El público, la mitad de pie, se quejó. Un valiente se robó un micrófono y me lanzó una pregunta final, prácticamente fuera de programa.
“¿Qué hay detrás de los ojos de Jacob Jiménez?”
Mi respuesta fue muy linda.
“Quise estudiar antes de venir a charlar con ustedes y mejor me puse a ver entrevistas a Borges. Entrevistas a José Luís (risas). Se me ocurrió que algo de valor tendrían para nosotros sus palabras siendo que, luego de Homero, es el segundo gran ciego de la literatura. El entrevistador insiste en llamarle “maestro”, lo que le incomoda al genio y pide que le llamen Borges, afirmando con humor que esa palabra, coincidentemente, resulta ser su nombre.
¿Qué hay detrás de Jacob Jiménez? Pues eso. Un montón de coincidencias. Si pudiera subiría aquí al estrado, detrás de mí, a todos esos que están atrás de mis ojos: a Gabriela, a mi padre, a mis amigos y amigas que están ahí sentados entre ustedes… Todos ellos son mis ojos. Y detrás de ellos hay otros ciegos que les sirven de ojos y atrás están otros muchos que se multiplican hasta el infinito, en un juego de espejos decididamente borgesiano.”
Me dieron muchos aplausos por ese cumplido a mis seres significantes. Apenas me levanté para ir al baño a orinar cuando Carlos y Arturo se me acercaron los dos a decirme “Fue un gusto estar en tu mesa”. Lo dijeron con desdén, sin dejo de amistad alguna. Se marcharon sin volver la vista atrás.
Un séquito de señoritas guapísimas querían que les diera un par de minutos extra antes de que me retirara pero las ahuyentó la señora que me cuestionó acerca de los curadores.
Era la directora del Colegio de Arte. La mujer más importante del Claustro, solo por debajo de la autoridad de la dueña (la hija del ex presidente López Portillo) y la directora general (que nunca está).
“Por favor, quédate en contacto con nosotros. ¿Crees que podrías dar algunas clases en esta escuela?”
Sentí que me moría de vergüenza. Ella notó que me sonrojaba y me pidió disculpas por haberme incomodado con su inconveniente pregunta.
Me permitieron ir al baño a pesar de que la gente se arremolinaba a mi alrededor impidiéndome el paso al excusado. Querían saber, una vez más, por qué no había nadie atrás del ojo y por qué el crítico de arte es un francotirador.
Me tardé mucho en regresar a recoger mis cosas. Vi que mi padre había tomado mi chamarra y que Gaby abrazaba a la directora.
“¡Qué fabuloso personaje postmoderno el tuyo!”, me señaló. “¿Te interesa entonces darnos unas charlas después acerca de los mismos temas? Ya he charlado con Gabriela y con tu padre al respecto y ya tienen mi tarjeta. De cualquier modo, nosotros te buscamos por correo. Gracias y hasta la próxima”.
Dos alumnos me entrevistaron y, cuando apagaron la cámara de cine, me preguntaron si realmente pensaba que las alumnas eran guapas. Dije que sí y agregaron que yo unicamente había visto al diez porciento de ellas. Que el resto eran todavía más atractivas.
Definitivamente, quiero volver al Claustro.
Del 21 al 23 de de octubre se desarrollarán en la Universidad del Claustro de Sor Juana las estimulantes Jornadas Académicas del Colegio de Arte y Cultura. El título de 2009 es Distorsiones: imagen y mirada. La entrada es libre.
La conferencia de Jacob Jiménez está prevista para el jueves 22 a las 10:15 h, una hora después de la conferencia inaugural de ese día. El tema será Miopía y astigmatismo: arte contemporáneo.
Están invitados a presentarse y participar los interesados en la pintura y el psicoanálisis. Por favor, reenvíe esta invitación a otros interesados en los mismos temas.
http://www.youtube.com/watch?v=99L7lLa0CeE
+
En relación al arte contemporáneo.
por Jacob Jiménez Lechuga
“Los ataques a las Torres Gemelas del 11 de septiembre fueron la mayor obra de arte (confeccionada por el diablo) que se haya hecho jamás”
Karlheinz Stockhausen.
I.
“Sería bárbaro escribir Poesía luego de Auschwitz”, decía desencantado Theodor Adorno casi al mismo tiempo que le daba por divagar acerca de la persistencia y la pertinencia de la filosofía en el mismo contexto. Este gesto de desengaño muchas veces citado, retorcido y enriquecido en las discusiones de academia, hace de puente (hacia ninguna parte) entre la ausencia de directriz ideológica de hoy y aquella originada por Marx, Nietzsche y Freud, los filósofos de la sospecha, en el siglo XIX.
Así inauguran los museos y galerías el arte contemporáneo. Críticamente hablando, el término “contemporáneo” se utiliza a menudo para designar la eventual declinación del estilo en las artes luego de los eventos que dieron fin a la guerra mundial. Esa declinación del estilo no es otra cosa sino el derrocamiento de los grandes relatos, los que para Marx constituían la superestructura ideológica (Arte, Filosofía, Ciencia, Religión, Política…) y que, luego de la caída del socialismo real, incluyen entre los abatidos al mismo discurso marxista, marcando el fin de los manifiestos e imposibilitando así las duplas vanguardistas de arte y ciencia, arte y política o arte y sociedad.
“Arte contemporáneo” es, en esencia, un oxímoron. La fortuna del arte de hoy depende, en todo caso, de que sea “bien gustado”. Los artistas, los intermediarios de la obra y los espectadores buscan que el objeto o la imagen de su elección sean afables, agradables, simpáticos o, en el mejor de los casos, que les caigan en gracia.
Pero no necesariamente en sentido decorativo o corporativo. Incluso las artes que se expresan fuera de los círculos oficiales, como el grafiti o las artesanías, están sometidas a esta nueva regla de cordialidad.
Jasper Johns, Damien Hirst… Nunca antes en la historia del mundo había habido tanta prosperidad (mediática, económica…) para los artistas que sepan ajustarse al azar que nos sugiere el capitalismo salvaje –“el mundo es un casino”, decía Fidel Castro-, a la paciencia y al hado de la afabilidad en la abdicación al estilo…
Martes, 29 de septiembre de 2009
A girl from Greece asked me via Internet about my photo work so I decided to take out a pic from the vault and post it. I don't really care if the model gets embarrased about it.
This one's about a year old. She's an art student (or at least she was back in those days) who asked us if we could take her pictures just for fun. We agreed because this gave us a chance to try my custom made lamp kit.
It worked pretty well, don't you think so? Besides, she looks great.
Acrylic on wood. 19.7 in x 15.7 in. 2009.
Will it be published someday? Who knows? This is a gift I did for Gabriel Bauducco, the director of the Mexican edition of Playboy. Acrylic on Illustration board. 2009.
Collage & Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009.
Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009. She's a pretty friend of mine who makes amazing stuff in belly dancing. Please, check out her website! (and don't forget to leave her a comment, ok?): http://www.adrytribaldancer.webs.com/
Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009.
Collage and acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009.
A painting I did as a gift for a kindergarden. Acrylic on canvas. 60 x 50 cm. 2009.
No painting here. I just wanted to post her lovely smile :-)
Both are acrylic and wool frame on wood, 50 x 70 cm, and made in 2007. This were my prototypes for an exhibition I originally planned for children but it never came to happen. Anyway, I showed this two in a kindergarden near home and now they are hangin' from a wall in my nephew's room.
Collage and Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009.
Acrylic and collage on Illustration board and digital edition. 2009. Both were published as editorial cartoons for CAMBIO EDOMEX magazine. Actually, there's no collage on the second one.
Acrylic on wood. 50 x 40 cm. 2009.
This is a fragment of an excercice I did about a year ago. It's acrylic on wood and I took the picture with my cellphone.
Storm and stress. 50 x 40 cm. Acrylic on wood. 2009.
Acrylic on wood. 2007. This is an old one. For some reason I never manage to take a good pic of it.
Acrylic on Illustration board. 34.5 x 28 cm. 2009.
Acrylic on Illustration board. 42 x 27 cm. 2008.
Well. This is the one that finally got published in local EDOMEX CAMBIO magazine*. Believe me: it doesn't look this good in the actual edition :-(*Thanks, Vera!
Acrylic on wood. 40 x 50 cm. 2008.
This is an excerpt of an on-line interview and a reproduction of a painting I did in 2007 that eventually got published with near a dozen other artists art and words. I guess you can read the complete version (in spanish only) at http://groups.yahoo.com/group/santocacomixtle/message/294
Hope it's not a broken link by now...
Hope it's not a broken link by now...
One of the characters is saying: "We're doing fine here in the Mexico State (EDOMEX), not like those creeps in Federal District, with their artificial beaches, their ice skating parks..."
And the caption says: "5 million inhabitants in Mexico State living in extreme poverty can't be wrong. EDOMEX - The not so worst in Post - Apocalypse".
This is an editorial cartoon I did for local EDOMEX CAMBIO magazine about the 3rd annual report of activities in Peña Nieto's government. It got banned (I ended up sending a doodle).
Acrylic on Illustration board. 2008.
And the caption says: "5 million inhabitants in Mexico State living in extreme poverty can't be wrong. EDOMEX - The not so worst in Post - Apocalypse".
This is an editorial cartoon I did for local EDOMEX CAMBIO magazine about the 3rd annual report of activities in Peña Nieto's government. It got banned (I ended up sending a doodle).
Acrylic on Illustration board. 2008.
Dusk & Dawn. Acrylic on wood. 21 x 27 cm. without frame. 2008.
S T O L E N !
S T O L E N !
Acrylic on Illustration board. 75 x 50 cm. 2008
Acrylic on Illustration board. 75 x 50 cm. 2008.
OK. The materials I used for rendering this image were charcoal, acrylics, Illustration board, masking tape, a wooden surface and some fine brushes. The colors were Ivory black, Titanium white, Naples yellow, Venice yellow, Yellow ochre, Oxide yellow (in pigment), Indian red, Ultramarine blue and Burnt Sienna, and I used a matte colorless acrylic gel as a medium. It's important to know that water is not used to disolve the acrylic colors. For that, you'll have to use gel or any other liquid medium. Water is only used to clean your brushes.
First, I prepared the Illustration board with a mixture of Indian red and a liquid acrylic medium (a colorless acrylic primer, indeed). It dried and then I applied a diluted gray layer which is a mixture of Ivory black, Titanium white and Oxide yellow pigment.
I taped the cardboard to the wooden surface and finally I masked the edges just for a fine presentation purpose only. Your Illustration board should be ready for drawing on it...
Here are the references I used for rendering an accurate drawing. I used the face of the guy in the cover of Flex® magazine, the disguise of the Wolverine in the cover of this really old Comics Scene® magazine, the body of the gruesome dude in blue shorts and one hand of the less freaky, good looking buddy in the black and white photo...
There you can see the taped and masked Illustration board with the red ground layer, the second grey layer and a first charcoal sketch drawing. I work as far from the surface as I can. I tape the charcoal bar to a long stick so I can draw at long distance. The next thing to do is to establish a semi-definitive drawing, painting it black and having in mind that you will only depict the shadows in your figure.
Nature has no contours, no silhouettes, so your black masses should be delimitated by the lenght of the shadows to create the illusion of volume. If you're afraid of losing your first sketch, you can "glue" the charcoal dust lines to the surface by covering them with acrylic gel. This technique is useful not only for preserving the drawing, but also for starting to create those long, soft shadow masses I described previously.
There it is: the basis for your definitive paintwork. Black shadows and yellow lights. You may be able to change it or depict in it new elements later, but not too significant or too big. I use a goofy "yellow sauce" to create those lighting effects. It's goofy because, in a way, it's not really necessary. By regulating the viscosity of the Yellow ochre, adding acrylic gel and liquid acrylic mediums, and fusing it with your gray and black surface, you should be able to get a really neat volume effect but I really find it hard to perceive the most shining sections, so I "cheat" with the help of this secret sauce whose ingredientes are transcribed below:- In a shallow plate, drip some Venice Yellow. As far as I know, this is not a popular color. I found it in a French brand called Pebeo®. It's really poorly saturated and when using it direct from the tube to the surface, you will always be able to see the background through it. The reason I keep buying it is because I use it as a "yellow gel", really useful for creating ochre layers.
- Because its poor saturation, add Oxide Yellow pigment to it.
- Then add Yellow ochre or Naples yellow (or both of them) to the sauce, depending on how much bright light you want to achieve.
- Finally, regulate the viscosity of your sauce with the acrylic mediums (as if you were using water to make it more fluid), depending on how much of the dark background you want to cover. Be aware that this sauce doesn't include white in it. At this moment, only black and yellow should be used. You're still depicting your drawing! You'll see it's a long, hard road out of the drawing process...
As you can see, you have to start taking important decisions by now. Maybe you'll think you have finished drawing your figure, but it really depends on how much focus you want to achieve. Keep painting your lights with yellow, blurring the black masses and re-focusing them again using black. Repeat this as many times as necessary. Remember that you can control the viscosity of your materials using mediums.
I decided to sharpen the gesture and the expressive lines of the face by making them really dark, using a fine brush. Also, I decided it'll be the last time I re-draw my figure. The deep cavities of the body, like the interior of the mouth and the armpits, are the darkest. The shallow parts of the body, like the nose and the forehead, should be the most shiny.
I decided to sharpen the gesture and the expressive lines of the face by making them really dark, using a fine brush. Also, I decided it'll be the last time I re-draw my figure. The deep cavities of the body, like the interior of the mouth and the armpits, are the darkest. The shallow parts of the body, like the nose and the forehead, should be the most shiny.
This is the final drawing. It should look like it's made out of gold. No white was used on the rendering of it. If the eyes glow bright it's just because the contrast between the shiny zones and the dark parts surrounding them. The same effect was archieved in the shoulder, but I insist that I used no white. In fact, Titanium white will be called only at the very end of your painting process.
Now the drawing is ready (about a day of work, about a total of 8 hours), colours should be applied. I really believe this layering technique was brilliantly designed by the Old Masters because of the little amount of material required. So, splash down a big spoon of liquid medium in a dish and create a flow, cellophane textured Indian red gravy.
I apply red colour right after yellow for one simple reason: it lingers out well with the most brownish parts of both ochre and black colours, as if they were cousins, born from the same family tree. Actually, if you look carefully, you can see there are some red "imaginary" hues in the intersections between the ochre layers and the black background, so painting with red is the logical next phase, but you can proceed with Ultramarine blue if you want to. I will use Ultramarine blue later and I will describe the reason why I used it as a final colour layer, right after this Indian red coating.
Now the drawing is ready (about a day of work, about a total of 8 hours), colours should be applied. I really believe this layering technique was brilliantly designed by the Old Masters because of the little amount of material required. So, splash down a big spoon of liquid medium in a dish and create a flow, cellophane textured Indian red gravy.
I apply red colour right after yellow for one simple reason: it lingers out well with the most brownish parts of both ochre and black colours, as if they were cousins, born from the same family tree. Actually, if you look carefully, you can see there are some red "imaginary" hues in the intersections between the ochre layers and the black background, so painting with red is the logical next phase, but you can proceed with Ultramarine blue if you want to. I will use Ultramarine blue later and I will describe the reason why I used it as a final colour layer, right after this Indian red coating.
This is how it should look after you apply the Indian red thin layer. You'll find that there are some really deep red areas that may require more than only two or three of these colour coatings. You can paint with pure, direct from the tube Indian red over those selected parts of the figure, but keep in mind that you have to preserve the greatest amount of work you have already done in the background as possible, so try not to cover too much with it!
Now, do the same thing you did with Indian red, but using Ultramarine blue instead. Your figure should start looking round and bold immediately right after you apply this Ultramarine blue thin layer. The reason I delay the use of Ultramarine blue this much is because it really looks and acts like pure Ivory black when surrounded by other colours. It's even more glossy and more shiny that Ivory black indeed, because it not absorbs light: it reflects it. So, use pure, not diluted Ultramarine blue to delineate and shadow your darkest areas. Just keep in mind you have to preserve your background or you will have to start your paintwork right from the begining again!...
... Well, in fact, you'll have to start all over again. The yellow areas you worked so hard should be all messed up and blotted by now :(
Repeat all the procedure and start making decisions again on which will be your most focused areas. And also start thinking where will be your darkest areas before you start painting again with black. Check the viscosity of it. Do you really need it to be that opaque? Do you really need to brush again those big shadows? And it's the same thing for the yellow areas. Please observe that ochre is far much more obscure that Naples Yellow. Use Naples yellow as if you were about to paint the white areas of your rendered model, pretty much like when you used Ultramarine blue instead of black before.
... Well, in fact, you'll have to start all over again. The yellow areas you worked so hard should be all messed up and blotted by now :( Repeat all the procedure and start making decisions again on which will be your most focused areas. And also start thinking where will be your darkest areas before you start painting again with black. Check the viscosity of it. Do you really need it to be that opaque? Do you really need to brush again those big shadows? And it's the same thing for the yellow areas. Please observe that ochre is far much more obscure that Naples Yellow. Use Naples yellow as if you were about to paint the white areas of your rendered model, pretty much like when you used Ultramarine blue instead of black before.
Once the basic colours (yellow, blue and red) are ready and once the dark and bright areas are accurately depicted using Naples Yellow and tiny little quantities of black, you should be able to add any other colour you want because it will blend correctly with that firmly attached solid base you have achieved by now. If you add a non-basic colour before this step, it will be horribly disfigurated into a grayish blot eventually. For example, think what would happen if you add violet right in the middle of the yellow and red layers. When you apply the blue layer, it will become a deep, undesired purple colour. But if you add violet at the end of the coating phase, it will preserve its natural look, because it will not be covered by any other colour that could transform it into another one not really required.
Here, I only added a thin layer of Burnt Sienna right into the flesh exposed around the mouth and over the gloves to differentiate the skin from the red areas of the costume.
Titanium white is really opaque and it has a very powerful capacity of covering what lingers below it, so use it carefully.
Maybe you would preffer to use Zinc white instead, because it's pretty much like a "white gel", but then again you won't be able to make your figure shine really bright.
Use white direct from the tube and also use it diluted with medium, just as if you were applying one very last colour layer.
And try not to cover too much of the Naples yellow parts because white painting can look really "cold", and that was the true reason why you worked with yellow at first: to keep your highlights warm.
That's it.
Take one last decision. Do you like those thick brushstrokes to be visible over the surface of your cardboard or would you like better to blur them a little?
I sprayed them with white using a toothbrush. Of course, you can use an airbrush.
Untape your provisional framing...
TA - DA! As you can see, I painted the edges black and shortly thereafter, I took one last sip of my coffee mug as I relaxed and leaned back to enjoy my silly Wolverine Pin-up.
It really surprised me how fast and how little time it took from me to finish this particular paintwork.
It took me a day for rendering the drawing (8 hours), a whole day working over the colour layers (+8 hours) and maybe a couple of extra hours for picking up the details.
I'm used to work on a canvas for about a month! So this was pretty fun and relaxing to do.
Do you like it? Wolverine was one of my favorite characters as a child. Same as Ghost Rider and the Fantastic Four.
Maybe one day I will paint a Silver Surfer Pin-up too.
I'm working on a Black Cat Pin-up right now, so stay tuned for more Marvel Fan Art Masterpieces done by me, your friendly neighbor, Jacob Jimenez Lechuga, from Mexico City!
Here, I only added a thin layer of Burnt Sienna right into the flesh exposed around the mouth and over the gloves to differentiate the skin from the red areas of the costume.
-
We're about to finish this Wolverine guy. It's time to use Titanium white on the brightest, shiniest areas of the figure.Titanium white is really opaque and it has a very powerful capacity of covering what lingers below it, so use it carefully.
Maybe you would preffer to use Zinc white instead, because it's pretty much like a "white gel", but then again you won't be able to make your figure shine really bright.
Use white direct from the tube and also use it diluted with medium, just as if you were applying one very last colour layer.
And try not to cover too much of the Naples yellow parts because white painting can look really "cold", and that was the true reason why you worked with yellow at first: to keep your highlights warm.
That's it.
Take one last decision. Do you like those thick brushstrokes to be visible over the surface of your cardboard or would you like better to blur them a little?
I sprayed them with white using a toothbrush. Of course, you can use an airbrush.
Untape your provisional framing...
TA - DA! As you can see, I painted the edges black and shortly thereafter, I took one last sip of my coffee mug as I relaxed and leaned back to enjoy my silly Wolverine Pin-up.It really surprised me how fast and how little time it took from me to finish this particular paintwork.
It took me a day for rendering the drawing (8 hours), a whole day working over the colour layers (+8 hours) and maybe a couple of extra hours for picking up the details.
I'm used to work on a canvas for about a month! So this was pretty fun and relaxing to do.
Do you like it? Wolverine was one of my favorite characters as a child. Same as Ghost Rider and the Fantastic Four.
Maybe one day I will paint a Silver Surfer Pin-up too.
I'm working on a Black Cat Pin-up right now, so stay tuned for more Marvel Fan Art Masterpieces done by me, your friendly neighbor, Jacob Jimenez Lechuga, from Mexico City!
Acrylic on Illustration board. 75 x 50 cm. 2008
ESTO. Los rituales del caos (THIS. The rituals of chaos). Acrylic on wood. 90 x 70 cm. 2008. "ESTO" is the name of a sports newspaper here in Mexico. "Los rituales del caos" is the name of a very important essay by mexican writer Carlos Monsivais.
Untitled. Pencil on paper. 2008.
S/Z: Rebelde (R. B. 1968 – 69)
Acrylic on wood
Unknown measures (¿90 x 80 cm.?)
2008
Photo session with guest model Glorya at Protocolo_: Studio.
2008
http://www.protocol0.blogspot.com
Sketch Drawing. Pencil on Paper.
Unknown measures
2007
Acrylic on Illustration board
Unknown measures
2007
Acrylic on wood
Unknown Measures
2008
Acrylic on Illustration boardUnknown meassures
2007
Acrylic on Illustration boardunknown meassures
2007
Acrylic on wood10. 6 x 8. 2 in.
2007
(Sixth piece of my unfinished series based on Robinson Crusoe)
Acrylic on canvas19. 6 x 27. 5 in.
2007
(Another quote by Sigmund Freud)
Acrylic on canvas27. 5 x 19. 6 in.
2007
Acrylic on canvas27. 5 x 47. 2 in.
2004
(I took the title from an essay by Marshall Berman, which is actually a famous quote by Karl Marx)
Acrylic on canvas23.6 x 27.5 in.
2006
(The title is a famous quote by Sigmund Freud)
Viernes 21 de julio de 1944Querida Kitty: Hay cada vez más razones para confiar. Esto marcha. ¡Sí, verdaderamente, marcha muy bien! ¡Noticias increíbles! Tentativa de asesinato contra Hitler, no por judíos comunistas o por capitalistas ingleses...
(The title comes out from a current entry in Anne Frank's diary. This is written over the page besides Bush portrait and both items are painted over a graffiti tag line which is actually my own signature)
Acrylic on canvas
19.6 x 27.5 in.
2005
F.R.A.G.I.L.E.Fragile la coquille d'oeuf
Réalité pour reconforter
Amèrement les maîtres de la
Grâce qui sonne comme un gong
Indifférent à midi
Loin du bien et du mal
Et loin de soi-même
(Double acrostic in french written for this piece by Gabriela Contreras.)
Acrylic on canvas
39.3 x 31.4 in.
2005
Réalité pour reconforter
Amèrement les maîtres de la
Grâce qui sonne comme un gong
Indifférent à midi
Loin du bien et du mal
Et loin de soi-même
(Double acrostic in french written for this piece by Gabriela Contreras.)
Acrylic on canvas
39.3 x 31.4 in.
2005
Acrylic on woodPolyptic, each one 8.5 x 11 in.
2005
Press article from local newspaper "Tiempo" with a picture of my canvas entitled "Como si se pudiese querer querer...", covering the opening of my first exhibition at Punto y Línea Gallery in Oaxaca, México.
Acrylic on canvas31.4 x 47.2 in.
2006
("Como si se pudiese querer querer" is a quote in spanish which I took out from Gilles Deleuze book entitled 'The Fold: Leibniz and the Baroque')
Acrylic on canvas31.4 x 39.3 in.
2004
2004
Acrylic on canvas39.3 x 31.4 in.
2004
Acrylic on canvas23.6 x 27.5 in.
2004
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